光影新世代：八位新晉電影攝影師的崛起

本年是《美國攝影師》雜誌第九屆年度「新晉電影攝影之星」推介活動，由ASC會員及雜誌編輯團隊精選的新銳攝影師名單包括：米婭·喬菲·亨利（Mia Cioffi Henry）、奧蘭·哥拉迪（Olan Collardy）、特希拉·迪·卡斯楚（Tehillah De Castro）、沙迪·漢拿（Shady Hanna）、占士·羅德斯（James Rhodes）、約翰·羅沙里奧（John Rosario）、莎拉·韋登（Sarah Whelden）及祖舒亞·朱克-普路達（Joshua Zucker-Pluda）。這批新秀以各自獨特的視野與經驗，為電影注入細膩和情感。

米婭·喬菲·亨利（Mia Cioffi Henry）

自小即是一位多才多藝的藝術家，喬菲·亨利早年涉獵演戲與舞蹈，而她認為這些經歷最終影響了她的攝影工作。「對空間與表演的感知，以及與觀眾建立連結的需求，讓我對故事、角色與人性產生強烈興趣。而其他一切都是為這些服務。」

她於加州Pitzer College攻讀佈景設計，本來並非電影主修，卻因為朋友拍片時邀請她幫忙掌鏡而接觸到攝影。「我那時覺得自己好像找到歸屬了，」她說。她的父親是一位華盛頓特區的紀錄片攝影師，因此她從小就被攝影器材、燈光設備和《美國攝影師》雜誌包圍。「我爸爸現在每年都會送我訂閱！」

依循父親的建議，她在洛杉磯的攝影器材租借公司Birns & Sawyer工作，「我從此愛上了底片的機械工藝。整個拍片的合作過程讓我想起排戲演出，就像舞台劇一樣。」

之後她搬到紐約，開始在劇組中擔任各種職務，逐漸轉入美術部門並擔任現場佈景人員。「這段訓練非常寶貴。我靠近導演和攝影指導，學到了很多關於構圖、質感和色彩的知識，也學會了前景元素的運用以及如何移動攝影機。」

她說，真正確認自己是一位攝影師，是在紐約大學攻讀藝術碩士期間。「我認為我最大的優勢之一是我能以設計師的語言與服裝與美術部門溝通，也能與製片方談預算與成本。當你能說每個部門的語言，就更能為整個作品服務。」

現在，她是紐約大學電影研究所的副教授，也是攝影系的主任。她受到畫家愛德華·霍普（Edward Hopper）、攝影師威廉·艾格斯頓（William Eggleston）與卡麗·梅·威姆斯（Carrie Mae Weems）啟發，亦鼓勵學生從電影以外的媒介汲取靈感。

她特別自豪自己為Mitski音樂錄影帶《Washing Machine Heart》所拍攝的作品，「那讓我可以探索我對強烈燈光的迷戀。如今的影像反而較少空間讓我實驗這種風格。」

她擔任攝影的長片包括傑瑞米·赫希（Jeremy Hersh）執導的《代理孕母》（The Surrogate），於2020年SXSW首映；以及Erin Vassilopoulos執導的《Superior》，2021年辛丹斯影展首映。她最新的作品是Eva Victor執導的《Sorry, Baby》，於今年初在辛丹斯首映後被A24買下全球發行權，並於五月在康城導演雙週閉幕，六月下旬上映。

在紀錄片領域，她也參與了由Frédéric Tcheng與Bethann Hardison執導的《Invisible Beauty》（2023辛丹斯首映），目前正參與由羅拉·普伊特拉斯（Laura Poitras）與Mark Obenhaus執導、以普立茲獎記者西摩·赫許（Seymour Hersh）為主題的紀錄片，預計2025年威尼斯影展首映。

奧蘭·哥拉迪（Olan Collardy）

哥拉迪15歲時從尼日利亞移民到英國。儘管自小熱愛藝術，他原本打算走傳統學術路線。他曾在倫敦大學學院修讀電腦科學，畢業後先後於雷曼兄弟與高盛工作，直到2019年辭去金融職務，全職投入電影攝影工作。

「我其實是誤打誤撞才進入電影圈的，」哥拉迪坦言。他的攝影旅程始於2011年購買一部Canon 550D相機。「本來只是興趣，但很快就變成了執念。當時我剛失去父親，攝影成了我轉移哀傷情緒的出口，我將情感都投射到這個新興趣裡。」

2016年，他為導演Thea Gajic拍攝短片《Run》，這成了他職涯的重要轉捩點。該片贏得辛丹斯「What’s Next」比賽，他形容：「那是我第一次覺得，別人開始認真看待我所拍的東西。」

2018年，他拍攝的一支音樂錄影帶讓他獲得經紀人青睞，也讓他意識到自己可以離開金融界全心追夢，「對身邊的人來說這是瘋狂的決定，但對我而言，這讓我的人生更有目標和動力。」

「我很喜歡藝術沒有唯一標準的這點。」

哥拉迪坦承：「我直到2013或2014年才知道『電影攝影師』這個職稱。我根本不認識行內人，也沒有人可以諮詢。」他提到第一位啟蒙導師是美國攝影師Shane Hurlbut，對方在網路論壇上分享許多技術與建議，他從中獲益良多。

2014年起，哥拉迪加入「Shane’s Inner Circle」這個線上指導社群，透過Facebook平台接觸到Shane的工作流程與觀念，也能直接向他提問。他補充：「這是我第一次真正接觸專業攝影世界的窗口。」

如今，他也積極回饋業界，邀請年輕攝影師到片場觀摩，並定期舉辦Zoom會議，與一批學員分享經驗。過去三年來，他在英國國立電影與電視學院（NFTS）教授「光之視角」（Perspectives in Light）工作坊：「這是一日實體課程，我和學生們在主舞台搭景，實際演練打光與分鏡。讓學生們親身參與片場工作流程，理解攝影師的決策與現場合作。」

他熱愛教育，也希望成為他人的啟發者：「我愛藝術無需遵循單一形式這件事，我希望成為一個明燈，告訴別人你可以走出自己的道路。」

近三年內，他已拍攝三部廣受好評的電影。長片處女作《Rye Lane》（導演：Raine Allen Miller）於2023年辛丹斯首映；第二部作品《Last Swim》（導演：Sasha Nathwani）於2024年柏林影展獲得最佳電影水晶熊獎；第三部則再次與《Run》導演Thea Gajic合作，拍攝了《Surviving Earth》，並於2025年SXSW首映。

談及未來規劃，他認為理想的作品應具備三項特質：「一是能教育觀眾，二是能改變文化，三是能自我表達。凡是同時達到這三點的項目，對我來說就是成功。」

特希拉·迪·卡斯楚 (Tehillah De Castro)

從電影學校畢業後，迪·卡斯楚發現她最欣賞的攝影師們都使用底片拍攝。儘管當時她對底片毫無經驗，她仍決定自學。「我把所有積蓄都用來買底片拍攝，把它用在每支音樂錄影帶或廣告提案上。我會說：『我們只有400呎底片，我們能拍些什麼？』我用盡一切方法來讓自己盡可能累積底片拍攝經驗。」

她的第一部長片作品是奧莉維亞·皮斯（Olivia Peace）執導的《Tahara》，於2020年在Slamdance影展首映。她主動積極的態度也促成她的第二部長片《如何炸掉一條輸油管》（How to Blow Up a Pipeline），與導演丹尼爾·高德哈伯（Daniel Goldhaber）合作。該片於2022年在多倫多國際影展首映，並迅速被Neon買下。

她與高德哈伯的初次相識是在他第一部長片拍攝期間，當時她擔任臨時燈光技師。當高德哈伯準備第二部片時，堅持要找會拍16毫米底片的攝影師。「丹尼爾找了一些人談過，最後有人提到我。他記得我曾在他第一部片出現過，於是主動聯絡我。」

「我著迷於讓一部電影誕生所需要的一切努力。」

她的短片作品包括娜塔莉·賈思敏·哈里斯（Natalie Jasmine Harris）執導的《Grace》，於2024年辛丹斯影展首映；以及卡麗娜·丹達希（Karina Dandashi）執導的《Baba I’m Fine》，於今年SXSW放映。她特別熱愛與賈茲明·賈西亞（Jazmin Garcia）合作的短片《Trokas Duras》，該片聚焦於移工的生命故事，並於2025年辛丹斯影展獲得評審團大獎。

截至本文截稿時，迪·卡斯楚正在為HBO影集《高校十八禁》（Euphoria）擔任副攝影師馬塞爾·雷夫（Marcell Rév）的輔助組成員。她表示：「他給了我很多挑戰與機會，讓我真正伸展了翅膀，也肯定了我作為攝影師的方向。」

沙迪·漢拿 (Shady Hanna)

漢拿對電影的熱愛可追溯至童年時期看卡通的日子。他的家庭在他上中學前從埃及移民到加拿大，當時他在社交上遇到困難，電影成了他的避風港。他特別傾心於一些聲音鮮明的導演，如泰倫斯·馬力克（Terrence Malick）、保羅·湯瑪斯·安德森（Paul Thomas Anderson）、史丹利·寇比力克（Stanley Kubrick）與大衛·連治（David Lynch）：「我被這些作者電影吸引，因為它們在沉默與簡約中傳遞豐富訊息。我喜歡作品留下更多疑問而非答案，這挑戰了我，也教會我在鏡頭裡如何賦予靜默與細微動作以強烈意圖。這正是我至今仍追尋的攝影境界。」

成為影迷後，他亦把握任何機會為學校社團活動拍攝，使用Canon T2i相機。「拍攝學校活動讓我初次體會如何將情感轉化為影像，也讓這過程對我變得真實可觸。」

早期他尚無業界導師時，「我在網路上找到他們，」他說。「Vimeo 的精選短片就像是一所電影學校。看到有人用有限器材拍出個人化又具電影感的作品，讓我覺得影像創作變得可能。那就是我入門的方式。」

「我喜歡那些情感上有所要求的計畫，而不只是技術層面的挑戰。」

從約克大學畢業後，他投身紀錄片與音樂錄影帶拍攝。他認為自己重要的突破來自於為2020年東京奧運拍攝的豐田汽車廣告。疫情期間，由於拍攝僅有一天、卻需隔離兩週，劇組難以找到合適的攝影師，但對他來說「這是非接不可的機會。這個案子無論創意或後勤都將我逼出舒適圈。那是我首次與如此龐大的劇組合作，我在隔離期間徹夜準備，那次拍攝感覺像是我職涯真正開始的時刻。」

此後，漢拿獲得了兩項加拿大攝影師協會的獎項提名：一為敘事短片《Junglefowl》（導演：Kalainithan Kalaichelvan），另一為紀錄片長片《Swan Song》（導演：Chelsea McMullan）。他亦對自己為加拿大SickKids基金會拍攝的一支廣告深感驕傲。該片由導演Clément Durou執導，後者是導演組合We Are From L.A.的一員。該廣告於2025年坎城影展榮獲金獅獎。「這次經驗非常值得，我能有充分時間做準備，深入了解理念，最後呈現的成果讓我很自豪。這提醒我應該對每一個項目投入同樣多的時間與心力。」

他挑選作品時，始終以情感為依歸：「我喜歡那些情感上對我有所要求的項目，而不只是技術挑戰。我希望畫面能真誠、貼近生活，好像它們本來就屬於那個故事世界，而不只是取悅觀眾的構圖。通常我讀完劇本後若仍難以忘懷，我就知道這是值得做的。我靠事前準備打好基礎，再以直覺去決定影像處理方式。我最終目標是創作出那些『非如此不可』的畫面，不是因為它完美無瑕，而是因為它真實動人。」

占士·羅德斯（James Rhodes）

羅德斯在英格蘭諾丁漢長大，從小便奠定了他對電影的直覺。他習慣在週日踢完足球後租電影回家觀看。後來，他於里茲藝術學院主修視覺傳達，並在課程中的電影模組中使用MiniDV拍攝一個類似「Straight8」風格的項目，這使他發現自己對鏡頭語言有出乎意料的直覺：知道鏡頭該擺在哪裡、什麼時候要剪接與轉場。

作為一名音樂人，羅德斯開始為音樂人與樂團拍攝現場表演影片，這項愛好後來讓他獲得唱片公司委託，並一步步進入他如今拍攝的演唱會與表演影片領域。他指出，音樂與敍事攝影之間存在著驚人的相似性：「在樂隊中演奏，與在鏡頭後觀察演員表演有著異曲同工之妙。我對演員的行為、能量與節奏的敏感度，會直接影響我的鏡頭動作，就像我彈貝斯時一樣。」

他早期的靈感來自搖滾文化的視覺標誌，尤其是白色條紋樂團（White Stripes）；如今則受到更廣泛攝影書籍的啟發。他與好友喬登·巴克（Jordan Buck）共同創辦Instagram頁面「The Cinematographer’s Archive」，作為攝影指導們互相分享書籍的空間。

羅德斯認為，他參與拍攝的短片《Femme》（導演：Sam H. Freeman 與 Ng Choon Ping）是他職涯的重要轉折點。疫情期間，他接到攝影師好友莫莉·曼寧·沃克（Molly Manning Walker）來電，對方因故無法拍攝，便推薦他接手。該片贏得2021年英國獨立電影獎最佳英國短片，同時入圍英國電影學院獎、倫敦影展與SXSW的短片競賽單元。

《Femme》的成功促使BBC Film資助其長片版，並於2023年柏林影展首映，橫掃多項大獎，並獲提名2023年英國獨立電影獎最佳攝影獎。羅德斯回憶：「像《Femme》這樣的電影就是我的夢想項目。我可以完全投入創意狀態，自由創作有意義、有張力的作品。每次讀劇本時，我都會問自己：『這部戲要怎麼操縱觀眾情緒？』——我最喜歡的電影如《黑天鵝》或《寶貝神驚魂》，都是讓觀眾有生理與情感反應的作品。」

他認為身邊的攝影同行對他影響深遠。「他們不但推動我成長，也給了我很多機會。ASC會員伊本·博爾特（Eben Bolter）與凱瑟琳·高史密斯（Catherine Goldschmidt）都曾帶我參與大型商業製作，讓我深入了解大型製片系統的運作方式。」

羅德斯的音樂背景也為他帶來了重大項目，例如2022年CBS特別節目《Adele: One Night Only》（榮獲五座艾美獎）、2023年《Elton John Live: Farewell From Dodgers Stadium》（榮獲三座艾美獎）。

截至目前，羅德斯正參與Amazon劇集《Malice》的後期製作，以及詹姆斯·麥艾維（James McAvoy）執導的長片處女作《California Schemin’》，並正在拍攝Netflix劇集《Heartstopper》的劇終長片，由導演華殊·韋斯特摩蘭（Wash Westmoreland）執導。

約翰·羅沙里奧（John Rosario）

羅沙里奧的父母從多明尼加共和國移民到美國布魯克林，他在三語環境中成長，精通英語、西班牙語與意大利語，並擁有美國與意大利雙重國籍。作為第一代美國人，他曾被教育認為只要尋找一份高薪工作即可，他甚至曾考慮土木工程職業。直到有朋友問他：「你能憑此找到幸福嗎？」這個問題顛覆了他對職業的既定看法。

放棄工程學後，他選擇攻讀電影，並最終從電影學校退學，以便更靈活進入娛樂產業。這兩次重要的決定對他的成長與職涯發展至關重要。

他曾遊歷全美拍攝音樂錄影帶，但高強度行程讓他意識到：「我需要做出選擇，以保護我所熱愛的事物。」

於是他專注於敍事電影拍攝，最終堅持只參與真正打動他的劇本。對他而言，「劇本首先必須有靈魂，然後看導演是否有獨特風格與品味。如果導演願意大膽嘗試，那更讓我興奮。」

當他與導演合作開拍時，他會在現場貼上一句簡單堅定的座右銘：「Courage Over Coverage（勇氣勝於多鏡頭）」。他解釋道：「我們每天進棚前都會看到這句話，這鼓勵我們不要只是為了覆蓋拍攝場面，而是去建構一種有哲理與心理性層次的視覺語言，透過潛台詞與細節豐富影像的情感與智性體驗。」

羅沙里奧的早期紀錄片《Kirk Gibson Ceremonial First Pitch》榮獲2019年洛杉磯地區艾美獎。之後，他拍攝了電影《Son of the South》（導演：Barry Alexander Brown）、《A Lot of Nothing》（導演：Mo MacRae，2022年SXSW首映），以及《Bob Trevino Likes It》（導演：Tracie Laymon，2024年SXSW首映並榮獲評審團大獎與觀眾選擇獎）。

他對同行與導師倍感感激，特別是ASC會員約翰·西蒙斯（John Simmons），兩人時常討論藝術與人生。他說：「他本人是一位攝影師也是畫家，我亦然。我們並非總談電影攝影，但我很感激能吸收他作為藝術家的生活經驗。」

截至目前，他正在籌備拍攝由Josh Plasse執導的新片《The Pirate King》。

莎拉·韋登 (Sarah Whelden)

韋登在麻薩諸塞州楠塔基特島長大，與電影產業幾乎毫無接觸。她人生中第一次接觸攝影藝術是在小學五年級，班級赴華盛頓特區旅行時帶了即棄相機。她記得自己決定「以45度角拍攝，因為這樣比較特別」，結果拍出來的照片很差，別人的照片都比她好，但她從那刻起就深深愛上了控制影像的感覺。

她後來就讀於漢普郡學院，主修以紀錄片為主的電影課程。2009年，她的人生迎來轉折點，當時奧勒岡州波特蘭的製作公司 Funnelbox 前來她打工的冰淇淋店拍攝廣告。她主動接觸執行製片人，並開始無薪實習，得以觀摩當地一流攝影師如何拍攝廣告。她說：「我學會如何跳出框框思考、如何在有限預算中配合導演，讓一切變成可能。」

韋登最終加入該製作公司成為正式員工，並開始接觸剪接與B機攝影。2015年離開公司時，她已經開始拍攝中型廣告作品。2021年，她獲選參加ASC Vision Mentorship計劃，並與導師寶莉·摩根（Polly Morgan）有了一場45分鐘的深刻對話。她回憶：「談完之後，我立刻決定搬去洛杉磯，兩個月內就實現了。童年時我曾經是個愛作夢的小孩，但後來不知怎的把這份夢想埋沒了。這次搬家，讓我重新找回那種狀態。」

2023年，她透過Netflix與Women in Film合作的獎學金計畫，有機會向兩位她非常敬重的攝影師——ASC成員珊卓·瓦德-漢森（Sandra Valde-Hansen）與愛莉森·凱利（Alison Kelly）學習。她同時也受到妻子凱莉·威爾科克斯（Kelly Wilcox）的鼓舞，後者是一位場景設計師，也是她最強大的支持者。「我得知自己入選《美國攝影師》雜誌 Rising Stars 當天，同時獲得 Women in Media 的 Altitude Award，當時我人在紐約拍攝試播集，由她代我領獎。」

她為潔西卡·巴爾（Jessica Barr）執導的短片《Tight》擔任攝影，該片獲2024年SXSW評審團大獎提名。2025年對韋登來說更是豐收年：她為凱蒂·艾瑟頓（Katie Aselton）執導的長片《Magic Hour》擔任攝影，該片於SXSW首映；與導演Miss Dylan和Spencer Wardwell合作的短片《Sweet Talkin’ Guy》獲得日舞影展短片評審團大獎提名；與亞歷克斯·卡普蘭（Alex Kaplan）合作的短片《Safe》則於Slamdance影展首映。

近期，她不斷思考當代電影攝影師肩負的責任。她表示：「我現在最大的創作動力，是製作原始、無懼、真誠的人性作品，藉此透過故事傳遞來連結彼此。我想透過參與電影以及作為一位公開活出的女性與跨性別者，來推動文化改變。我小時候不知道有『電影攝影師』這個職業，即使後來知道，也沒見過像我這樣的人擔任這個角色。如今電影攝影師越來越被看見，我希望讓下一代知道：這個位置屬於任何人。」

祖舒亞·朱克-普路達（Joshua Zucker-Pluda）

朱克-普路達橫跨多種藝術領域，從早年累積的豐富創作經歷中汲取靈感。他說：「我對電影攝影的理解源自純藝術、攝影與音樂背景，尤其受到硬核龐克文化的倫理與價值觀深刻影響。我這些交錯的基礎構成了我作為攝影師的聲音。」

朱克-普路達於紐約大學獲得電影製作學士，副修電影理論與比較文學。畢業後，他曾為錄像藝術家道格·艾特肯（Doug Aitken）工作，同時也在不同樂團中世界巡演。他表示：「龐克圈教我自立更生、誠實真摯與堅韌不拔。這種精神深深塑造我成為創作者；樂團生活也讓我學會如何與不同創作聲音合作共存。」

他一度從事導演工作，負責拍攝與剪輯廣告、音樂錄影與紀錄片。某次遇見攝影師彼特·康查爾（Pete Konczal, ASC）後，對方鼓勵他專注於電影攝影，並建議他報考美國電影學院（AFI）。

他說：「AFI的兩年讓我徹底改變人生。那段時間讓我得以專注鑽研攝影工藝，真是莫大恩賜。」他對當時的導師懷有深刻敬意，包括ASC成員史蒂芬·萊特希爾（Stephen Lighthill）、比爾·迪爾（Bill Dill）與塔爾·拉薩爾（Tal Lazar）。他也特別感謝同儕如陶德·班哈茲（Todd Banhazl, ASC）、艾娃·柏克夫斯基（Ava Berkofsky, ASC）、蘿倫·吉特拉斯（Lauren Guiteras）與傑克·馬吉（Jake Magee）：「他們在我創作觀、合作方式與影像情感層面上皆有深刻啟發。」

朱克-普路達至今仍活躍於音樂圈，樂於接手結合音樂與影像的項目。他曾為金屬樂團金屬製品（Metallica）拍攝多支音樂錄影帶，其中《Screaming Suicide》入選2023年Camerimage國際攝影影展音樂錄影競賽單元。他表示：「那是我作為攝影師最純粹的代表作品——我試圖創造一個充滿質地、層次與感官張力的影像，能被認可讓我倍感鼓舞，也讓我更加勇於擁抱自己的創作聲音。」

他近期剛從SXSW返國，與導演大衛·布萊克（David Black）合作的短片《Good Time Charlie》獲得該影展評審團大獎提名。他的作品還包括：蘿莉·安德森的實驗紀錄片《Heart of a Dog》、艾力克斯·嘉蘭執導迷你影集《Devs》的第二攝影、資生堂（Shiseido）商業廣告，以及與Doja Cat、Kali Uchis、Deafheaven 等音樂人合作的影像。接下來，他將準備開拍一部長片，同時持續在商業與敍事影像之間探索創意極限。

 

Credit： https://theasc.com/articles/2025-rising-stars-of-cinematography

American Cinematographer‘s 2025 Rising Stars of Cinematography